miércoles, 31 de julio de 2013

En la mirada de: Sally Mann

Sally Mann nace el 1 de mayo de 1951 en Lexington, Virginia.
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Fotografía a sus hijos: Jessie, Emmett y Virginia  todos menores de 10 años de edad.
Capta la inseguridad, soledad y el miedo a la sexualidad.
Estudió fotografía en Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.
Trabaja con cámara análoga.
En julio de 2001 recibió el Premio a la Mejor Fotógrafa Norteamericana de la revista Times.
Es considerada una de las maestras de la Luz.
Publicaciones:
  • At Twelve: Portraits of Young Women, Aperture, 1988; ISBN 0-89381-330-3
  • Immediate Family, Phaidon Press, 1993; ISBN 0-7148-3054-2
  • Still Time, Aperture, 1994; ISBN 0-89381-593-4
  • What Remains, Little, Brown and Company, 2003; ISBN 0-8212-2843-9
  • Deep South, Bulfinch Press, 2005; ISBN 0-8212-2876-5


Si te interesaron las fotografías de Sally Mann te dejo el link para que puedas ver más de lo que su ojo y su talento capturan para nosotros...

En la mirada de: Richard Avedon

Richard Avedon nace en 1923 en New York 
Era conocido como el maestro del retrato
Su pregunta cada que iba a fotografiar a una persona era:
¿Cómo eres tú?


Pertenecía a una familia judía
Después de acudir a la Universidad de Columbia inició su carrera como fotógrafo
Trabaja en la Marina Marcante de Estados Unidos de 1942 - 1944
Era fotógrafo de modas y un gran retratista.
En la Navidad de 1989-1990 viajó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros.

La inolvidable y bella Marilyn Monroe, jamás la podremos ver en una situación similar a esta, así que hay que agradecer a Richard por tan grato momento retratado con la actriz...



En su obra:  In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco.


El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud.

Fotógrafo de Harper´s Bazaar de 1945 - 1965
Fotógrafo de vougue 1966 - 1990
Muere en San Antonio, Texas el 1 de octubre de 2004 a los 81 años de edad.



Si quieres ver más sobre Richard Avedon, te dejo un video para que lo puedas admirar un poco más...

En la mirada de: Henri Cartier Bresson

Henri Cartier Bresson nació el 22 de agosto de 1908 en Chanteloup-en-Brie, Francia y muere el 3 de agosto de 2004 Montjustin, Francia a los 95 años de edad.


Era de una familia de clase media, era purista de la escuela vieja de la fotografía, Francés, reconocido como el "fotógrafo del instante" pues era decisivo.
"El mundo pasa rápidamente"
Su técnica de jamás recortar los negativos, observaba, elegía y disparaba, esa era su técnica para tomar fotos además de estudiar antes de disparar y observar a los personajes.
Estudió pintura y literatura en Cambridge.




En 1931 comienza como fotógrafo y llega a recubrir de negro las partes niqueladas de su cámara.
Se sintió atraído por imágenes de fotografía deportiva.
En la segunda guerra mundial es preso y sale en el año de 1943.
Junto con Robert Capa es cofundador de la agencia Magnum Photos.
Su trabajo se compara con el de Manuel Álvarez Bravo.

Esta es una de sus fotografías más famosas, vaya belleza que nos deja admirar Cartier Bresson con su lente en conjunto con la lluvia...

Filmografía

1937: Victoria de la Vida (Victoire de la vie), Documental sobre los hospitales de España Republicana (49 min, Blanco y Negro)
1938:España vivirá (L’Espagne Vivra), Documental sobre la guerra civil española y los años de postguerra (43 min, Blanco y Negro)
1945: El Retorno (Le Retour), película sobre el retorno de los prisioneros después de la Segunda Guerra Mundial.




Para conocer más sobre sus obras, les dejo un video sobre su vida y más de sus fotografías... 







miércoles, 3 de julio de 2013

En la vida de: Pedro Meyer


-Nació el 6 de octubre de de 1935 en Madrid, España 
-Es reconocido internacionalmente por la fotografía mexicana contemporánea 
-Fue fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía 


Hace unos días en clase de fotografía vimos un documental de este fotógrafo el cual se llama "Fotografío para recordar", estuvo muy interesante pues nos mostró su vida mediante unas fotos que estuvo tomando desde mucho tiempo, relató la vida de sus padres principalmente, qué pasó con ellos, las enfermedades que tuvieron, incluso la causa de su muerte. 
Fue tan gratificante, tan alentador que incluso motiva querer ser como él, a decir o plasmar tu vida en aquello foto que tal vez tanto te costó tomar, o quizá jamás pensaste que podrías hacerlo, sin embargo, Pedro Meyer lo hizo, tuvo el valor de hacerlo pues él mismo afirma que aquél momento no creía estar viviéndolo, creía era un sueño, por eso deseaba tener la evidencia de lo que algún día pasó y poder recordarlo a través de sus fotos para saber que todo aquello, era verdad.
El relato habla sobre la vida de sus padres y la relación tan hermosa que ellos llevaban, aquello sí era amor, pues en las fotos se nota el cariño que se demostraban, se les veía felices, una pareja estable. Amaban a su familia, Pedro, su hijo registraba cada momento que pasaban juntos. 
Un día su padre se mostró un poco enfermo y decidieron llevarlo al doctor, para su sorpresa le detectaron cáncer. Después su padre comenzó a enfermar más y sentirse débil, ahora necesitaba cuidados sobre todo de su esposa y una enfermera. Algo que me llamó la atención fue que Pedro Meyer dice que le pregunta a su padre ¿Qué es lo que quiere hacer en ese momento? A lo que su padre le contesta: Quiero volar... 

Esta imagen me conmovió tanto que casi rompo en llanto al verla, es muy emotivo el hecho de saber que su padre sabía que estaba enfermo, sin embargo, ese día él quería volar, quería tener alas para ver el mundo desde otra perspectiva, aún así se conformó con estar en la sala de su casa, subir al mueble en el que estaba sentado, subir sus brazos y le bastó eso para sentir que volaba.
A los pocos días enfermó gravemente y de nueva cuenta su esposa y la enfermera se hicieron cargo de él, pues cada día estaba perdiendo la movilidad en sus brazos, incluso al caminar, aunque siempre le demostraba su cariño a su esposa. 
Según los doctores, solo le daban 2 meses aproximadamente de vida, cuando su padre ya llevaba un año sobreviviendo. Al poco tiempo de haber regresado a su hogar, Pedro recibe una llamada, le dijeron que su madre estaba muy enferma en el hospital, él acudió inmediatamente. Cuando llegó al hospital le dijeron que su madre también padecía cáncer y que la tendrías que operar. 
Estuvo con su madre, vio cuando la raparon para la intervención quirúrgica y Pedro registró cada momento, incluso cuando llegó de nuevo al cuarto, su madre parecía dormir y al poco tiempo despertó.
Llegaron a su casa unos días después, nuevamente todos en familia, su padre se vio alegre con su llegada, aquel momento era hermoso. Cuando su padre ya tenía como 2 años y medio de vida después de su diagnóstico, era casi imposible moverse por sí solo, para todo necesitaba ayuda, su madre también la tenía, pero un día su madre volvió a caer en el hospital pues el cáncer la había afectado de nuevo. Esta vez no pudo luchar más contra el y decidió rendirse cerrando para siempre sus ojos que quizás se encontrarían con los de su esposo en un futuro no muy lejano...



Pedro registró la imagen de su madre fallecida, aquel cuerpo, esos ojos y la sonrisa que tanto amaron él, su padre y toda su familia se había desvanecido para siempre, quiso tenerla de recuerdo para cuando la volviera a ver unos años después supiera que todo aquello fue verdad. 

No le dijeron nada a su padre pues sabían que le podría afectar, sin embargo el padre no decía nada pues obviamente notaba la ausencia de su querida esposa, a los pocos meses de la muerte de su madre, su padre también enfermó gravemente. 


Al igual que su madre, él ya no pudo más con su enfermedad, vivió 3 años desde que sus doctores le dijeron que solo le quedaban 2 meses de vida, soportó muchas cosas, entre ellas la muerte de su esposa con la cual prefirió llorar su pérdida en silencio. Al ya no soportar su ausencia, decidió reunirse con la persona que ya hacía poco tiempo lo esperaba en otra dimensión para seguir acompañándole en su vida por toda la eternidad, su amada esposa. 
Qué fuerza la de Pedro Meyer al capturar las imágenes de sus padres muertos, además de narrar todo el documental de lo que sus padres pasaron sus últimos años de vida, es un trabajo envidiable y digno de reconocer, en lo personal no creo poder hacer un trabajo igual a éste, por eso si les interesó el documental y desean verlo, les dejo el link para que puedan apreciar más detalladamente su trabajo, en verdad se los recomiendo. 


martes, 2 de julio de 2013

Duane Michals

Duane Michals es uno de los más grandes fotógrafos, ahora les hablaré un poco sobre este ícono de la fotografía.


-Nació el 18 de febrero de 1932 en Mckeesport, Pensilvania, Estados Unidos. 

-Su trabajo es destacado por sus secuencias e incorporación de textos en las fotos.

-Estudió la carrera de de Bellas Artes en la universidad de Denver y después un postgrado en la Escuela de Diseño Parsons en Nueva York, además no concluyó sus estudios de diseñador gráfico.

-El trabajo de Atget fue su inspiración para la fotografía, además del surrealismo y Magritte y Balthus sin dejar de mencionar que incluye elementos sobre la reflexión de la existencia humana. 


Algo de lo más característico de sus trabajo es la redefinición del medio fotográfico como medio artístico y no como registro de la realidad, haciendo énfasis en sus sueños y emociones, además se basa de igual manera en el arte conceptual.


           
  


Sus imágenes se construyeron como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y rostro.

Solía utilizar como escenario los restaurantes, salas de espera y recepciones de hotel. En 1966 adopta un estilo propio con la secuenciación ; es una sucesión de fotos a manera de contar una historia. Fue a mediados de los 70´s cuando incluyó letras o manuscritos en las fotografías para destacar el significado.


Una "excusa" para su trabajo era la frase: Me gusta la ironía 

Además agrega para su próxima exposición en Nueva York:
"Los artistas de hoy, que tiene ideas de una envergadura muy corta, necesitan grandes formatos para simular que están haciendo algo interesante. Los que tienen ideas brillantes pueden trabajar perfectamente en formatos reducidos porque sus ideas relucirán con intensidad. Vivimos en una sociedad completamente estúpida, donde se valora más la imagen que la idea."


"Quien ve mis fotos ve mis pensamientos" 


"La realidad no me interesa en lo absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otro colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención."     
                                        
       Duane Michals



¿Cómo lo capturo?

Cuando se quiere fotografiar a las personas es muy importante que se les pueda apreciar bien. Hay maneras de resaltar la fisonomía del sujeto jugando con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.

En primer lugar debe quedar claro que los ojos de la persona son al referencia; es decir, cuando quiero captar una foto de una persona lo más recomendable es tomarla a la altura de sus ojos aunque esto implique agacharse o elevarse, siempre estar a la altura de los ojos de la persona para percibir lo mismo que ella.

La luz es importante. El sujeto debe tener sombras en la cara que resalten sus facciones; en el caso del fondo, se le quita importancia haciéndolo borroso aumentando la apertura del diafragma y aumentar la distancia focal, en otras palabras con el número f  y con un zoom alto.



¡Aumenta tu distancia!
En cualquier caso hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen.

Retrato de una mujer: generalmente se forma o visualiza un triángulo al fotografiar a las mujeres, lo cual indica feminidad, tranquilidad, delicadeza, elegancia, étc.



Flash rebotado: al rebotar la luz del flash sobre una pared blanca en el techo, se obtiene un suave efecto modelador. Esto permite que la luz no saque tanto brillo en la foto y se pueda ver por lo tanto clara.

Difusor: tiene como efecto la suavización de la luz, puede ser un pañuelo blanco, por cada doblez del mismo se tendrá que abrir un punto en el diafragma para que no salga oscura la foto.

Iluminación frontal: suaviza mediante el reflejo en la pared de detrás de la cámara.


Luz frontal dura: subraya la forma de la cara y reproduce la textura de la piel en tonos más duros (de frente); un claro ejemplo de la utilización de esta luz es cuando de niños contábamos cuentos de terror y nos poníamos la luz de una linterna en la cara iluminando algunas partes de la cara y dejando otras en completa oscuridad dando un aspecto terrorífico a nuestro rostro, eso es la luz dura.




Recuerden SIEMPRE hacer una adaptación con los fondos, vestir el lugar a manera de ayuda para sus fotografías, aunque sea con poco material pero procuren tener el necesario y por favor que su fondo no llame más la atención que el sujeto, en otras palabras, que no se "coma" su trabajo pues lo que importa en todo escenario montado es el sujeto al que se va a fotografiar, no el fondo.

Otro punto, no olviden hacer que la luz sea su amiga y les ayude con sus fotos, no que las destruya, la luz siempre será un punto importante para realizar cualquier toma, pues con ella una fotografía puede ser la mejor o lo que le sigue a la peor y sólo porque no supimos utilizar la luz a nuestro favor.

En todo retrato la cara siempre ocupará casi toda la escena, por eso es necesario tener una buena captura y estar a la altura del "mundo" del sujeto para poder captar todo su entorno, lo que sus ojos ven, la foto lo puede representar por el simple hecho de estar a su altura.

No es bueno hacer tomas de picada o desde abajo de la persona pues esto podría hacerla más delgada, o más cabezona, incluso darle un aspecto que el sujeto ni siquiera tiene y podría perjudicar tanto a la fotografía, como a la persona y de paso se lleva al fotógrafo por no saber adaptarse al cuerpo o posición del que está detrás de la cámara.

lunes, 1 de julio de 2013

¿La tomo por tomarla?

Cada que se toma una fotografía es necesario que tenga composición, por eso al igual toda foto debe tener un Centro de Interés, esto significa que cada fotografía que tomemos deba ser obvio para cualquiera que lo vea se de cuenta de qué trata la foto si necesidad de haber visto la figura completa, a esta técnica también se le conoce como Forma...
Forma: es cuando una fracción habla del todo realizando sustracciones.

Volviendo al Centro de Interés, antes de realizar una fotografía debemos saber qué es lo que pretendemos captar en ella, (a veces no es bueno improvisar ni planear en el momento) siempre debe existir un elemento que atraiga nuestra atención al momento de visualizar la foto.
Debe quedar muy claro que aunque se le llame centro, el centro de interés no debe ser necesariamente que el objeto principal deba estar al centro de ella, ni ser el que ocupe la mayor parte de la imagen.




Regla de los Tercios 


   A este cuadro se le llama: Cuadro de Diálogo

El centro es un punto de mucha fuerza, generalmente es utilizado para retratos.
1.- Cuando en un escenario hay más de un elemento con la misma fuerza que el principal, existe una competencia entre ellos lo que hace que la fotografía se perjudique y no tenga el sentido deseado.

2.- La situación y el tratamiento que demos al centro de interés es las más decisivo en la composición; respetando la regla de no siempre dejar el objeto al centro de la imagen porque podría perder su belleza, incluso su intención.

3.- Lo más sencillo y efectivo para resaltar es situar en el fotograma la regla de tercios. Por si no se la saben esta es la definición y ejemplo de lo que es un fotograma:
-Se denomina, en fotografía, a la imagen obtenida sin la cámara fotográfica, por medio de un proceso que consiste en la superposición del objeto a registrar sobre el material fotosensible de placa.


4.- Regla de dirección: Si una persona o animal se fotografía de perfil, se debe dejar siempre más espacio por delante de su cara que por detrás. No poner al sujeto volteando hacia el lado que de la impresión de sacarnos de la foto.

5.- Los objetos móviles, es importante captarlos entrando, NUNCA saliendo, tampoco hay que poner el sentido de la foto hacia donde haya menos espacio.

6.-El fondo nunca debe competir con el motivo principal. Siempre debe resaltar el sujeto en la foto y no el fondo, punto!

7.- Recurrir a un fondo de tonalidad opuesta para resaltar el objeto principal; objetos claros sobre fondos oscuros y viceversa. No es muy recomendable utilizar fondos brillantes porque podría afectar la fotografía debido a la luz.

Ángulo de toma:

Lo normal es fotografiar colocando frente al motivo de pie con la cámara a nivel de los ojos y con el plano focal perpendicular al suelo. Se recomienda siempre estar al nivel de la estatura de la persona para percibir mejor la imagen, sobre todo el "mundo" que ve la persona mediante sus ojos.

8.- Una de las formas de conseguir encuadres originales es cuando optamos por un punto de vista elevado o mejor conocido como "vista de pájaro".





Regla de Cielo y Tierra:

Para la composición de una fotografía se recomienda que siempre haya 2 partes de cielo y 1 de tierra, ó 2 partes de tierra y 1 de cielo, debe haber más de una que de otra, de lo contrario la fotografía se volvería aburrida y no tendría ningún tipo de atractivo.

Regla de los Cortes:

NUNCA se corta a una persona en los dobleces naturales, por ejemplo los codos, las rodillas, las muñecas, los dedos, el cuello, étc. Tampoco se debe tomar una fotografía cortando partes de la cara porque estaríamos mutilando horrorosamente a la persona haciendo peor nuestra foto. Incluso tomaría otro aspecto.

Acomodo del ángulo de la cámara: Existen 2 maneras, vertical y horizontal. La vertical se utiliza para edificios por ejemplo siempre y cuando sean altos, para lo que son largos se usa la horizontal. Todo depende de la posición en que esté el objeto o persona.

Cualidades del Sujeto:

Línea - indica un camino, guía la mirada hacia un punto, dirige hacia algún lugar, étc.



Ritmo: puede ser por color, forma y se rompe por igual.

    


Forma: cuando una fracción me habla del todo realizando sustracciones. También es cuando una fracción habla del todo realizando sustracciones.

 

Textura: cuando hablamos de textura hablando de sujetos de alto y bajo relieves que en la foto cintamos que podemos tocarla, algunas veces puede dar asco pero eso indica que la foto fue bien realizada.